The Range – Zwischen römischer Mythologie und dem Sonnensystem

 

Es ist eine faszinierende Geschichte, wie US-Producer James Hinton alias The Range an eine Albumproduktion herantritt, wie sehr er mit Leib und Seele und seiner Geschichte in einen Prozess eintaucht und daraus ein großes Ganzes formt, das so viel mitträgt. „Mercury“ heißt Hintons neuer Longplayer, ein Titel, der viele Bedeutungen mit sich trägt. Entstanden ist das Album in der Abgeschiedenheit der Green Mountains in Vermont, in die er 2018 gezogen ist. Raus aus Brooklyn, Richtung Norden, um der Sommerhitze in New York zu entkommen. „Es gibt nichts Schöneres, als jeden Tag nach draußen zu gehen, die Berge zu sehen und die Vögel zu hören. Ich denke, dass es mir hier oben auf lange Sicht gut gehen wird und ich einen Weg finden werde, trotz der Abgeschiedenheit alles zu schaffen.“ Wir haben mit ihm gesprochen über multiple Bedeutungen, die Suche nach Vocal-Samples und Musik als Therapie.

Herzlichen Glückwunsch zum neuen Album, wie fühlt es sich an, dass es nun endlich herausgekommen ist?

Danke! Mein letztes Album kam vor über sechs Jahren heraus, es ist also ziemlich surreal, nach so langer Zeit wieder in Schwung zu kommen. Ich bin unheimlich stolz auf „Mercury“ und mein Hauptgefühl ist einfach die Freude darüber, dass die Leute die Songs hören können, mit denen ich so lange gelebt habe. Ich denke, dass ich mit dem neuen Album einige ernsthafte Fortschritte in meinem eigenen Prozess gemacht habe, und ich freue mich darauf, es ins Regal meiner Veröffentlichungen aufzunehmen.

Es gibt viele Assoziationen, die du mit dem Begriff „Mercury“ verbindest. Aber wie ist es letztendlich zum Titel gekommen, was hat dich hingeführt?

Seit ich klein war, hat mich die Eschereske Dualität* immer angezogen. Ich glaube, es hat etwas einzigartig Befriedigendes, etwas auf eine Weise zu sehen, und dann, während man darüber nachdenkt, kommt eine völlig andere, aber ebenso gültige Interpretation zum Vorschein und man muss mit dem Gedanken rechnen, dass beide Interpretationen in gewisser Weise wahr sind.

Bei „Mercury“ habe ich zum ersten Mal über den Namen nachgedacht, als ich über meinen Tod nachdachte. In der römischen Mythologie hatte der Gott Merkur viele Rollen, eine davon war die des Führers durch die Unterwelt. Meine Großmutter hatte eine kleine Sammlung von Dimes (Anm. d. Red.: Zehn-Cent-Münze in den USA) mit Merkur als Motiv, an die ich mich aus meiner frühen Kindheit erinnere, und während des Albumprozesses habe ich diese beiden Geschichten irgendwie zusammengebracht und angefangen, den Namen als möglichen Titel zu erwägen.

Und mir gefiel natürlich die Verbindung zum Sonnensystem und dem kleinen ausgebrannten Planeten Merkur, der der Sonne zu nahe gekommen ist. Obwohl ich nicht so hoch geflogen bin, habe ich mich während der Entstehung dieses Albums sehr in Ikarus hineinversetzt gefühlt, da ich das Gefühl hatte, nach dem Aufstieg dem Niedergang entgegenzugehen.

Und schließlich gefiel mir die Assoziation mit dem Element Quecksilber (Engl.: mercury) und den Symptomen, für die es beim Menschen verantwortlich ist. Das daraus resultierende Hutmachersyndrom schwingt da bei mir und meinem Zustand mit, der durch zu viel Arbeit an einer einzigen Aufgabe entsteht. In meiner Anfangszeit in Vermont hatte ich keine Freunde und verbrachte daher unzählige Tage allein mit der Arbeit an meiner Musik. Ich weiß jetzt, dass das auf Dauer das Gehirn verformt, wenn man nicht genug Kontakt zu Menschen hat, daher ich mag die Metapher der Quecksilbervergiftung.

Und so gefällt mir die Idee, dass all diese Bedeutungen elegant in einem Titel verpackt werden können. Zu verschiedenen Zeitpunkten waren sie alle sehr erheblich für mich, als ich mich für den Titel des Albums entschied. Am besten gefällt mir, dass es der Hörer*in freisteht, eine eigene Bedeutung einzubringen und aus all diesen Fragmenten etwas zusammenzufügen, das ihr oder ihm wichtig ist. Ich denke, das lässt meine Arbeit weiterleben und sich auf andere Weise durch die Zeit verbreiten, als wenn ich mich darauf festlegen würde, was meine Alben und Titel bedeuten sollen.

In den letzten Jahren hast du mit Depressionen, Burnout, Apathie und sozialen Ängsten zu kämpfen gehabt. Hilft dir das Musizieren, damit besser umzugehen? Als eine Art Therapie?

Es ist ein zweischneidiges Schwert. Durch das Musizieren kann ich Gefühle ausdrücken, die ich sonst mit meinen eigenen Worten nicht ausdrücken könnte. Es fällt mir sehr schwer, meine Gefühle in Worte zu fassen und mitzuteilen, und ich kann mir gar nicht vorstellen, wie sehr ich ohne meine Musik in einem brodelnden Kessel sitzen würde. Vor allem die Möglichkeit, mit Texten zu arbeiten, ermöglicht es mir, eine Menge an Gefühlen zu vermitteln, über die ich sonst nur schwer sprechen könnte.

Auf der anderen Seite denke ich auch, dass es ein Abwehrmechanismus sein kann, der mich davon abhält, mich mit den Ursachen vieler Probleme zu befassen, die meine Depressionsanfälle verursachen. Manchmal frage ich mich, wie es wäre, wenn ich gezwungen wäre, mich mit dem zu beschäftigen, was unter der Oberfläche brodelt, aber ich neige dazu, mich einfach in meine Arbeit zu verkriechen, bis das Schlimmste vorbei ist.

Erzähle uns von deiner Vocal-Sample-Suche via YouTube und Instagram. Wie lief das ab?

Danke für diese Frage! Ich habe versucht, so viele Vocals wie möglich aus dem Internet zu sampeln, die bisher unter dem Radar geblieben sind. Insbesondere versuche ich dabei, die Anzahl der Aufrufe auf weniger als 10.000 zu begrenzen. Ich bin verliebt in alles, was aus irgendeinem Grund relativ unentdeckt geblieben ist.

Ich neige dazu, mich auf eine Phrase, eine Hook oder eine unerwartete Melodielinie zu stürzen, die ein Sänger oder eine Sängerin gewählt hat. Ich würde sagen, es ist ungefähr 50:50, ob ich im Internet nach einer Stimme für einen bereits geschriebenen Song suche oder ob eine Stimme, auf die ich zufällig stoße, mich dazu bringt, Musik um sie herum zu schreiben.

Ich denke, das Besondere an diesem Prozess ist, dass er einen dazu zwingt, wirklich kreativ zu sein, wenn es darum geht, wie man das Ausgangsmaterial verwendet, um einen kompletten Song zu machen. „Mercury“ war bei Weitem das anspruchsvollste Album, an dem ich mit Samples gearbeitet habe, da ich wirklich anfing, jeden Song in mehrere Abschnitte aufzuteilen, was eine Menge Druck auf einige Vocals ausübte, die manchmal insgesamt nur eine Minute lang waren.

Außerdem gingen mir bei meinen Suchbegriffen auf YouTube auch die Videos aus, was ich nicht für möglich gehalten hätte. Erst später wurde mir klar, dass inzwischen eine ganze Generation auf Instagram unterwegs ist und ihre Acapellas nicht mehr auf YouTube postet. Der Such-Algorithmus bei Instagram funktioniert ganz anders, weil man nur nach einem einzigen Hashtag suchen kann. Bei meiner Arbeit ging es mehr denn je darum, Schnelldurchläufe durch wahrscheinliche Hashtags zu machen, und das ist etwas, an das ich mich immer noch zu gewöhnen versuche, denn das gilt noch mehr für TikTok.

Und textlich fühle ich mich immer zu einer Phrase hingezogen, die emotional nackt ist und die kurz und bündig etwas sehr Kraftvolles ausdrückt, das aus irgendeinem Grund bei mir Resonanz findet. Ich mag es, dass ich durch die Bearbeitung und die Arbeit an der Formulierung hoffen kann, die ursprüngliche Stimmung zu nehmen und sie sowohl mit dem darunter liegenden Song als auch mit der emotionalen Schattierung, die ich zufällig darin sehe, in Einklang zu bringen, und die mir aus irgendeinem Grund ein Gefühl der Katharsis vermittelt.

Hilfe bei Depressionen: Tel.: 0800 / 11 10 111 (rund um die Uhr), www.deutsche-depressionshilfe.de

*M. C. Escher, niederländischer Maler, 1898 – 1972. Wurde bekannt für seine Darstellung unmöglicher Figuren (Paradoxa oder optische Täuschungen).

Aus dem FAZEmag 125/07.2022
Text: Tassilo Dicke
Foto: Elizabeth Weinberg
www.therange.us