Clark – Erschreckende Schönheit

Electronica-Produzent und Filmmusikkomponist Clark hat am 26. März ein neues Album veröffentlicht: Es ist mittlerweile schon das zwölfte Album für den Briten und nach „Daniel Isn’t Real“ seine bereits zweite Veröffentlichung auf dem Klassik-Label Deutsche Grammophon. Christopher Stephen „Chris” Clark erzählt auf dem neuen Longplayer mit dem suggestiven Titel „Playground In A Lake“ „eine Geschichte über den realen Klimawandel, erzählt in mythologischen Bildern“. Diese malt der Allrounder mit klassischen Instrumenten, das erste Mal überhaupt mit Streicherarrangements, die er in seine elektronischen Traumlandschaften implementiert. Wir haben Chris zum Interview gebeten.

„Playground In A Lake“ berührt nicht nur, sondern verschränkt die Themen Klimawandel und verlorene Unschuld. Waren wir – also die Menschheit – überhaupt jemals unschuldig? Was denkst du – gibt es Hoffnung für die Menschheit? Sollte es Hoffnung für die Menschheit geben angesichts dessen, was wir unserem Planeten antun, wohlwissend, welche Folgen das haben könnte?

Gute, knifflige Frage! Vielleicht entsteht echte Hoffnung, und nicht so eine schwammige Hollywood-Hoffnung, nur, wenn etwas Traumatisches passiert, wenn es notwendig für das Überleben ist. Ich bin mir nicht sicher, ob wir von der drohenden Klimakatastrophe ausreichend traumatisiert sind. Aber Menschen können mutig sein, sodass ich noch keine endgültigen Schlüsse ziehen würde.

Wie denkst du über die Schönheit (Architektur, Kunst, Musik, Liebe …) in dieser Welt, die der Mensch geschaffen hat, im Gegensatz zu den Schäden auf der anderen Seite? Hat all diese Schönheit das Recht zu existieren?

Ich möchte an Rechte glauben, aber ich bin mir nicht sicher, ob es sie tatsächlich gibt, wie in einer Art Periodensystem. Die Wahrheit ist, dass die Welt ein schöner, erschreckender Ort ist. Die Natur ist ehrfurchtgebietend inspirierend und schön, aber bestenfalls gleichgültig gegenüber unserem Schicksal. Unser Platz als Spitzenprädatoren in ihr ist eher moralisch unklar. Ich bin so ein „1,6 pro Menschheit“-Typ. Das sind immer noch über 50 Prozent dafür als dagegen, oder?!

Ich bin unschlüssig, ob Kunst ein „Recht“ auf Existenz hat. Die Idee, dass Kunst die Natur widerspiegelt, finde ich fragwürdig. Bach zum Beispiel klingt nicht wie die Natur. Die Natur ist ein fades, lautes, graues Geräuschfraktal. Vielleicht ist Kunst ein Widerstand gegen die Natur, die zur Entropie verdammt ist. Sie bewegt, weil sie flüchtig ist. Man spielt das Stück und dann verschwindet es. Selbst Bach ist nicht immun gegen Entropie. Und was bedeutet all diese veredelte Harmonie für Hunde, Mäuse und Spinnen? Überhaupt nichts. Es ist die menschliche Geschichte der Musik, die mächtig, die stark ist.

Obwohl der Klimawandel vor der Tür steht, gibt es bisher nur wenige fiktionale Filme und Literatur, die sich mit diesem Thema beschäftigen. Sind wir so ignorant oder so ängstlich und sehr gut darin, unbequeme Fakten zu verdrängen?

Ich denke, ja. Wir halten uns das sehr reale Problem des Klimawandels vom Leibe, weil es keine unmittelbare Bedrohung ist und weil wir abgelenkt sind. Wir leben in dieser Blase von kuratiertem Komfort und Ungezwungenheit, wollen immer mehr vom Gleichen, ein Spiegelkabinett. Die Unternehmen haben aus unserem Narzissmus und unserem Bedürfnis, akzeptiert zu werden, Kapital geschlagen. Wir haben dieses subtile Gefühl, eine Art von murmelnder Angst im Hintergrund, dass wir in dieser unhaltbaren Falle sitzen, mit unbekannten Unbekannten, die um die Ecke lauern – eine von ihnen „etwas, das mit dem Klimawandel zu tun hat“.

Das Album wurde mit Streicher-Ensembles in Budapest und Berlin aufgenommen, mit Oliver Coates am Cello, Chris Taylor von Grizzly Bear an der Klarinette, Rakhi Singh vom Manchester Collective an der Violine, AFRODEUTSCHE und Kieran Brunt an den Backing-Vocals sowie 130701-Mitglied Yair Elazar Glotman am Kontrabass. Kannst du uns mehr über diese Kollaborationen erzählen?

Großes Lob und Grüße an all die Leute, die du erwähnst. Die Kollaborationen haben besonders Spaß gemacht, denn ich war allein im Lockdown in England. Es war schön, über Musik zu chatten und Dateien hin- und herzuschieben. Eines der besten Dinge überhaupt ist es, einen Dropbox-Ordner zu öffnen, voller Aufnahmen einiger Noten, die man geschrieben hat, eingespielt von außergewöhnlichen Musiker*innen. Der Rausch der Vorfreude, den man bekommt, ist großartig. Und, ich hasse es zu sagen, in mancher Hinsicht übertrumpft es einen, mit ihnen in einem Raum zu sein. Man will nicht immer in einem Raum sein, es ist, als würde man jemandem beim Einpacken eines Geschenks zusehen oder sehen, wie die Wurst gemacht wird. Obwohl ich an der Budapester Session teilgenommen habe – und es war eine ziemlich aufregende Wurst.
Ich habe die Aufnahmen mit dem Budapester Orchester geliebt, Peter, der Dirigent war super, voller Energie und Positivität. Béla Bartók ist für mich so etwas wie eine musikalische Gottheit.

Der ungarischen Kunst und Musik wird nachgesagt, melancholisch zu sein … wie ist dein Verhältnis zur Melancholie?

Ich kenne eigentlich nur Béla Bartók, ich weiß, das ist wahrscheinlich zu naheliegend, ich würde gerne mehr über ungarische Musik wissen. Soweit ich weiß, ist seine Musik melancholisch, aber es fehlt ihr die Vertrautheit anderer europäischer Musik, sie hat einen jenseitigen, kantigen Charme, sie verhält sich nicht regelkonform, sie hat eine flüchtige Umlaufbahn um einen anderen Schwerpunkt.

Für mich ist Melancholie etwas, das man nicht abschütteln kann, wie eine Erinnerung, ob schlecht oder gut, die einfach nicht verschwinden will. Also wiederholt man sie, untersucht sie aus verschiedenen Blickwinkeln, beobachtet, wie sie sich mit der Zeit verändert, aber sie behält immer ihr Gewicht, ihre Ursprünge. Es ist wie das Grübeln bei einer depressiven Person, aber es ist eine Ästhetik, die man genießen und mit der man sich beschäftigen kann. Der Track „More Islands“ ist für mich sehr melancholisch. Er wiederholt sich einfach – hartnäckig – aber jedes Mal anders, wachsend, sich wandelnd. Ich glaube, manche Komponisten weigern sich, sich damit zu beschäftigen, weil sie auf eine bestimmte Art und Weise indoktriniert wurden – sie halten Loops und Musik, die aus Lautsprechern kommen, nicht für das „echte Musikzeug“, für das man eine kostspielige Ausbildung braucht, mit all den komplizierten handgeschriebenen Noten für diese speziellen Instrumente, für den Konzertsaal und nirgendwo sonst. Ich kann es nicht leugnen, ich bin manchmal amüsiert von der klösterlichen Naivität dieser Perspektive. Obwohl sie natürlich auch einige großartige, demütigende Werke hervorbringt. Trotzdem möchte ich all diesen Leuten Basinskis „Disintegration Loops“ zu Weihnachten schenken und ihnen „Forgive“ von Burial vorspielen. Es ist für mich eine herausfordernde Geschichte, auf diese Entdeckungsreise zu gehen, um zu verstehen und in der Lage zu sein, komplexe, modulierende Musik zu komponieren und dann am Ende trotzdem das ursprüngliche Stück zu bevorzugen, die melancholische Reihe von Zyklen, den unschuldigen, reinen Ausdruck. Es stützt irgendwie die Kraft der Geschichte in dieser ursprünglichen Schleife.

Du sagtest anlässlich deines neuen Albums „Ich wollte schon immer Streicher aufnehmen, aber ich habe das Gefühl, dass es diese Last der klassischen Musik gibt“ und „Also fing ich an, über meine Lieblings-Streicherarrangements nachzudenken, solche wie bei Scott-Walker-Aufnahmen, wo sie zwischen kontrastierenden Elementen existieren. Dann begann ich, mich dem Album von einer dunklen Folk-Seite zu nähern, auch mit diesem schweren 70er-Jahre-Synthie-Stil. Dann kam die Improvisation der musique concrète, und einige meiner favorisierten Obsessionen mit moderner Klassik und Sounddesign, und dann machte es klick.“ Kannst du mehr über den „Klick“ erzählen? Das Album ist über fünf Jahre in der Mache gewesen, wie fühlst du dich mit den Streicherkompositionen jetzt?

Es machte klick, als ich anfing, die Audiosignale zu zerlegen und mir vorzustellen, dass es nur Samples waren und ich Kisten durchwühle. Es ist wie die Jagd nach einem Sample, aber man kann die Samples auch komponieren, was ein doppelter Gewinn ist. Es hat eine Weile gedauert, bis sich diese Einstellung durchgesetzt hat, aber ich bin froh, dass es so war. Oft ist das, was Zeit braucht, nicht greifbar, es ist eine hart erkämpfte Perspektive auf die Musik, keine spezifische, buchstäbliche Technik, die man in logischen Schritten erlernen kann, was ich auch tue, aber eher etwas, das vom Musikmachen getrennt ist, als würde man ein Werkzeug entwickeln. Aber ich finde, es sollte immer von der Musik getrennt sein. Die Musik ist geleitet von Perspektive, nicht von der Technik. Was das endgültige Produkt angeht, bin ich selten an Technik um ihrer selbst willen interessiert, sie ist nur ein Werkzeug und nicht mehr. Wenn man es mit ein paar einfachen Akkorden und guten Lyrics sowie einem einzigartigen Ansatz, wie die Textur klingen sollte, sagen kann, ist man schon auf halbem Wege angekommen.

Ein Stück heißt „Comfort and Fear“ … wenn man sich die Stücke anhört, gibt es eine Atmosphäre, die spannend und düster und gleichzeitig warm und tröstlich ist … ist das Album selbst von Trost und Angst geprägt? Außerdem hat man den Eindruck, dass jedes Stück als Soundtrack für einen Film oder Filmszenen funktionieren könnte … Ist das beabsichtigt?

Das ist das Stück, das am meisten von Bartók beeinflusst ist. Und von Bernard Herrmann. Ich wollte etwas Freischwebendes, aber Spannungsgeladenes und Trauriges mit trügerischer Geometrie machen. Aber ich wollte, dass es eine Schnittstelle zu „Shut You Down“ bildet, das im Grunde ein modernisierter Popol-Vuh-Track ist, der auf einer Idee basiert. Der Soundtrack-Aspekt ist keine bewusste Intention. Meine beste Musik kommt immer aus einem eher unbewussten, traumhaften Zustand.

Ich schätze, ich sehe dieses Album als einen Film, den ich bereits in meinem Kopf gedreht habe. Es ist jedoch gefährlich, zu viel Fantasie in deinem eigenen Kopf zu entwickeln. Ich muss sie in Handlung, in der Realität, verankern. Musik für mich die perfekte Kunstform, denn sie ist wie eine Kombination aus Traum und Wissenschaft. Als Kind habe ich mit dem Gedanken gespielt, Schriftsteller zu werden, aber das Schreiben enthält nicht genug pragmatische Wissenschaft. Auch nicht genug körperliches Training, haha, ich bin da eher basic. Ich muss Knöpfe drücken und Saiten spannen und Scheiben drehen und auf Dinge einschlagen. Die winzigen Schreibtriebe, die ich habe, werden durch den lyrischen Inhalt befriedigt. Musik passt zu meiner Einstellung wie ein Handschuh, im Grunde genommen!

Man sagt, dass wir uns alle sieben Jahre verändern – du wärst also jetzt mit dem Vollenden deines 42. Geburtstag im August wieder dran. Glaubst du, dass das wahr ist?

Haha, nicht wirklich. Ändern wir uns nicht ständig? Sieben ist aber eine schöne Zahl. Ich habe das Gefühl, dass ich die Energie für die Musik habe, die ich in meinen Zwanzigern gemacht habe, ernsthaft. Ich war ziemlich beschäftigt in den letzten drei Jahren. Ich habe einige schlechte Angewohnheiten aus meinem Leben gestrichen und fühle mich jünger als in meinen Dreißigern. Das Leben ist süß: Jeden Tag früh aufstehen und um 6 Uhr morgens Klavier spielen.

Du hast mal in Berlin gelebt, wo bist du derzeit zu Hause?

Ich lebe jetzt in Brighton, aber ich bin momentan in Australien. Der Winter ist wahrscheinlich meine Lieblingszeit, um Musik zu machen. Auf Field Recordings klingt winterliche Atmosphäre so gut. Trockene Zweige und Eiszapfen knacken, und Schnee, der unter den Füßen knirscht. Klänge, die starke Erinnerungen und Gefühle hervorrufen. Ich habe eine Nagra-Tonbandaufnahme von vor zehn Jahren, als ich in Berlin lebte, und die ich für alles benutze. Ich habe die Atmosphäre mit ein paar guten Shotgun-Mikrofonen eingefangen: buchstäblich das Eis, das bricht, und Schnee, der im Takt eines Metronoms zerknirscht wird. Und dann hat mich dieser Typ aus dem Wohnblock dabei entdeckt und man hört ihn rufen „Benutzt du Ableton Live?“ und ich höre mich ziemlich genervt an, dass er meine Tagträumerei gestört hat, und versuche höflich zu antworten „Ja, das tue ich, aber ich benutze auch manchmal Logic“. Ich liebe das. Die Magie und das Alltägliche, alles in einer Aufnahme. Man kann das eine nicht ohne das andere haben.

Zu guter Letzt:
Pathos oder Pragmatismus?
Pragmatismus.

Nacht oder Tag?
Tag.

Kaffee oder Tee?
Tee

Aus dem FAZEMAG 110/04.2021
Text: Csilla Letay
Credit: Eva Vermandel
www.throttleclark.com