Mit Chicken Town Records hat Eliezer ein Label geschaffen, das sich bewusst zwischen Acid House, Post-Punk, Indie Dance und roher Clubkultur bewegt. Seine neue Single „Hips“ mit Corrie Nova verbindet hypnotische Grooves, düstere Spannung und schmutzige Rock-Energie zu einem Sound, der sich ebenso körperlich wie emotional anfühlt. Im Gespräch spricht der New Yorker Produzent und DJ über lange Nächte in kleinen Clubs, die Schönheit von Fehlern und warum elektronische Musik für ihn immer noch etwas Gefährliches und Unberechenbares haben muss.
Für alle, die dich gerade erst entdecken: Wie würdest du deinen Sound beschreiben und wofür steht Chicken Town Records?
Chicken Town bewegt sich irgendwo zwischen der Emotionalität von Post-Punk, dem Druck von Acid, Indie Dance und der Körperlichkeit von Clubmusik. Es ist elektronische Musik, aber mit Schmutz unter den Fingernägeln. Manchmal elegant, manchmal kaputt, manchmal auf eine seltsame Weise sexy. Ich bin mit völlig unterschiedlichen Sounds aufgewachsen – New Wave, düsterem Disco-Sound, griechischer und marokkanischer Musik zuhause, alten Rockplatten und früher Rave-Kultur – und irgendwie ist das alles ganz natürlich miteinander verschmolzen. Chicken Town Records ist im Grunde eine Erweiterung genau dieser Welt. Es ist für Menschen, die in elektronischer Musik noch Persönlichkeit suchen. Nicht nur funktionale DJ-Tracks, sondern Musik mit Charakter, Spannung, Humor, Romantik und Gefahr. Musik, die sich menschlich anfühlt.
Du bist bekannt dafür, Acid House, Post-Punk und Indie Dance miteinander zu verbinden – woher kommt dieser Mix persönlich bei dir?
Viel davon kommt ehrlich gesagt aus meiner Kindheit. Ich war schon sehr früh besessen von der Energie von Post-Punk und New Wave – nicht nur von der Musik selbst, sondern auch von der Haltung und den Emotionen darin. Später bin ich dann komplett in Maschinen, Drumcomputer, Acid-Lines und rohe Clubkultur eingetaucht. Zuhause lief außerdem ständig mediterrane Musik, deshalb waren Rhythmus und emotionale Melodien immer irgendwo in meinem Kopf präsent. Über die Jahre habe ich aufgehört, diese Einflüsse voneinander trennen zu wollen. Statt immer mehr Schichten hinzuzufügen, habe ich eher angefangen, Dinge wegzunehmen, bis nur noch die Essenz aus Groove und Emotion übrig blieb. Diese Spannung zwischen Schönheit und Hässlichkeit wurde wahrscheinlich irgendwann zu meinem Sound.
Deine neue Single „Hips“ wirkt roh, düster und sehr körperlich. Was war der Ausgangspunkt für den Track?
„Hips“ entstand eher aus Rhythmus und körperlicher Bewegung als aus Melodie. Ich wollte etwas Hypnotisches und leicht Unangenehmes schaffen, fast wie Spannung, die sich im Körper aufbaut. Der Groove sollte gleichzeitig verführerisch und nervös wirken. Vieles an dem Track entstand aus dem Versuch, ein bestimmtes Gefühl einzufangen, statt technisch zu denken. Späte Nächte, verzerrte Lautsprecher, repetitive Bewegungen, Schweiß, Dunkelheit und Verlangen wurden ganz natürlich Teil der Atmosphäre. Ich wollte nicht, dass der Track geschniegelt klingt. Ich wollte, dass er lebt.
In „Hips“ steckt eine starke Rock-Energie, fast so, als würden Gitarren auf einen Warehouse-Rave treffen. War dieser Kontrast von Anfang an geplant?
Ja, absolut bewusst. Ich habe diese Spannung zwischen Rock-Attitüde und elektronischer Wiederholung schon immer geliebt. Viel moderne elektronische Musik klingt für mich manchmal zu sauber. Ich wollte, dass sich „Hips“ anfühlt wie ein Warehouse-Rave, der langsam mit einer dreckigen Rockband-Probe kollidiert. Etwas Körperliches, Chaotisches, Sexyes und Gefährliches, ohne die hypnotische Seite von Clubmusik zu verlieren. Ich denke außerdem immer noch manchmal wie ein Gitarrist. Viele Ideen beginnen tatsächlich auf der Gitarre, bevor daraus elektronische Tracks werden. Selbst wenn später alles zu Synths, Drum Machines und Distortion wird, bleibt diese Spannung der Gitarre irgendwie erhalten.
Die Vocals von Corrie Nova bringen eine sehr verführerische und gleichzeitig angespannte Ebene hinein – wie kam die Zusammenarbeit zustande?
Wir haben uns bei einem meiner Gigs kennengelernt und beim Reden festgestellt, dass wir praktisch nebeneinander in Bushwick wohnen. Irgendwann habe ich ihr den Track geschickt, und sie meinte, dass sie noch einen älteren Text hatte, der perfekt zur Atmosphäre der Musik passte. Alles entwickelte sich sehr natürlich, fast so, als hätte der Track bereits auf genau diese Stimme gewartet. Was ich daran geliebt habe: Sie kam nicht mit dieser klassischen „Feature“-Mentalität. Sie brachte Spannung, Zurückhaltung und Emotion hinein, ohne die Musik dominieren zu wollen. Ihre Stimme wirkt verführerisch, aber darunter steckt auch etwas Fragiles und leicht Gefährliches – und genau das passte perfekt zur Energie des Tracks.
Du hast von Underground-Locations bis zu großen Clubs überall gespielt. Welche Art von Crowd oder Setting inspiriert dich aktuell am meisten?
Ich liebe beide Welten, weil sie komplett unterschiedlich funktionieren. Große Festivals oder große Clubs sind psychologisch – dort geht es um präzise Energiekontrolle. Aber die stärkste Verbindung entsteht für mich immer in kleineren Räumen mit niedrigen Decken, Dunkelheit und starken Soundsystemen. Dort wünsche ich mir lange Sets von drei bis sechs oder sieben Stunden, weil genau dort alles wirklich intim und emotional wird. In solchen Nächten baut man langsam Vertrauen über die Musik auf. Es wird körperlich, emotional und hypnotisch. Solche Nächte bleiben Menschen für immer im Kopf. Und mir genauso.
Chicken Town wird als Musik für „the disobedient“ beschrieben. Was bedeutet diese Haltung für dich in der heutigen elektronischen Szene?
Elektronische Musik kam ursprünglich von Außenseitern. Von emotionalen und seltsamen Menschen, die ihre eigenen Welten erschaffen haben. Dieser Geist ist immer noch das Herz von Chicken Town. Viel elektronische Musik wirkt heute überpoliert, zu sicher und zu stark gebrandet. Alles folgt Algorithmen, Trends und perfekten Bildern. Ich habe ehrlich gesagt keinerlei Verbindung zu Perfektion. Ich verbinde mich mit Persönlichkeit, Spannung, Fehlern, Humor, Sinnlichkeit und Emotion. Chicken Town steht für Menschen, die wollen, dass sich Nachtleben lebendig und leicht unberechenbar anfühlt. Ungehorsam bedeutet nicht, Dinge zerstören zu wollen. Es bedeutet, sich dagegen zu weigern, emotional flach zu werden.
Deine Sets gelten als unberechenbar und sehr energiegeladen. Wie viel davon ist Planung und wie viel reiner Instinkt?
Ich bereite niemals ein komplettes Set vor. Das widerspricht meiner Persönlichkeit und auch dem eigentlichen Sinn von DJing für mich. Außerdem bestehen fast alle meine Sets aus meiner eigenen Musik – Originals, Edits oder unveröffentlichtem Material – deshalb kenne ich diese Tracks ohnehin extrem tief. Natürlich bereite ich die Musik sorgfältig vor, aber das eigentliche Set muss lebendig bleiben. Sonst wird es Theater statt echter Verbindung. Bei kürzeren Festival-Sets kenne ich meistens die ersten Tracks und vielleicht den emotionalen Zielpunkt am Ende. Aber bei sechs oder sieben Stunden ist alles offen. Der Raum spricht, die Crowd verändert sich ständig und ein Track öffnet die Tür zum nächsten. Genau diese Unberechenbarkeit hält elektronische Musik für mich gefährlich und aufregend.
Das Label hat eine starke Identität zwischen Clubkultur, Punk-Haltung und kunstorientierten Events. Wie wichtig ist die visuelle und kulturelle Ebene neben der Musik?
Für mich ist das untrennbar mit der Musik verbunden. Die Verbindung zu Tänzern und Bewegungskultur wurde während der Pasáž-Jahre besonders intensiv. Tänzer verstehen Rhythmus anders. Sie reagieren körperlich und emotional, ohne alles zu zerdenken. Dadurch wird alles lebendiger. Diese Energie wurde langsam Teil der Identität von Chicken Town. Nicht als Performance, sondern als echte menschliche Energie innerhalb der Nachtkultur. Selbst Corrie Nova kommt aus dieser Welt – sie ist ebenfalls Tänzerin – und man merkt das sofort an ihrer Art, Musik und Bewegung zu verstehen. Für mich sprechen die Records, die Visuals, die Bewegung, das Licht und die Menschen alle dieselbe Sprache.
„Hips“ ist jetzt die sechste Veröffentlichung des Labels – wohin soll sich Chicken Town Records als Nächstes entwickeln?
Chicken Town steht ehrlich gesagt erst am Anfang. Zwischen 2026 und 2028 sind bereits etwa 30 bis 40 Releases in Bewegung. Viele neue Künstler stoßen zur Welt des Labels dazu, gleichzeitig kehren alte Freunde für Remixe und Kollaborationen zurück. Außerdem bauen wir gerade einen neuen Zweig des Labels auf, der stärker auf Songs fokussiert ist – emotionalere Tracks zwischen Clubmusik, Post-Punk, Synth-Kultur und Songwriting. Für mich ging es nie wirklich um Genres. Es geht darum, den richtigen Track, die richtige Emotion und den richtigen Sound zu finden. Deshalb schütze ich die Identität des Labels auch so stark. Das Ziel ist nicht, das größte Label zu werden. Das Ziel ist es, ein echtes kulturelles Universum rund um die Musik aufzubauen – etwas, das Menschen emotional sofort erkennen, sobald sie den Raum betreten.
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