Mit seiner „Kolibri Space Shuttle“-EP serviert uns der auf Korsika geborene DJ und Live-Produzent PETRU einen hypnotisierenden Techno-Spacetrip voller außergewöhnlicher Atmosphären und Emotionen. Der mittlerweile in London lebende Klangkünstler ist ein wahrer Meister der Live-Performance und stellt seine herausragenden Fähigkeiten mit Hardware-Shows in ganz Europa unter Beweis. Wir haben das Ausnahmetalent zu einem ausführlichen Gespräch gebeten, in dem er uns tiefe Einblicke in sein Artist-Life, aber auch in private Angelegenheiten gewährt. Vorhang auf für PETRU.
Hallo PETRU, wie ist das Jahr 2022 für dich bisher verlaufen? Kannst du ein paar Highlights nennen?
Vielen Dank für die Einladung zum Interview. Es ist mir eine große Freude, dass ich hier meine Geschichte und meine Musik vorstellen darf! Anfang 2022, nach zehn Jahren Arbeit als Sounddesigner für Spiele in inspirierenden Unternehmen wie Warner, Ubisoft, Sony, Microsoft und Don’t Nod, habe ich beschlossen, mich ganz meiner Leidenschaft zu widmen. Von Anfang an habe ich meine Ziele zu Papier gebracht und darauf hingearbeitet: Platten produzieren, meinen bestehenden Live-Act verbessern, meine Marke stärken, die Szene unterstützen, Networking betreiben und dabei sicherstellen, dass ich Spaß an dem Prozess habe.
Die Musik für meine Debüt-EP „Kolibri Space Shuttle“ zu produzieren, war ein großes Vergnügen, aber das Einholen von Verträgen, die Arbeit mit Ingenieuren, um diesen kraftvollen Sound zu mastern, die Registrierung und der Schutz der Tracks, das Pressen der Platten mit schönem Artwork, das Finden von Vertrieben sowie der Umgang mit Budgets und Zeitplänen waren neue Herausforderungen. Verdammte Komfortzone! Ehrlich gesagt war dies ein sehr interessantes Projekt, aus dem ich viel lernen konnte, auch wenn ich manchmal das Gefühl hatte, dass ich einen Job für fünf Personen mache.
Magnitude Film und Attack Mag traten ebenfalls an mich heran, um einen Dokumentarfilm zu drehen, und wir arbeiteten hart daran, „This is Live Techno“ zu verwirklichen. Harrison Garret und sein Team sind mir vom Studio auf die Bühne gefolgt, um die Geschichte zu erzählen, wie es ist, einen Live-Act zu entwerfen und aufzuführen – jetzt haben wir eine erste Folge veröffentlicht und wollen das Konzept auf weitere Live-Künstler ausweiten.
Im Februar, als der Krieg in der Ukraine begann, wurde ich inspiriert, einen Track in einem schnelleren Tempo als sonst zu produzieren, der später von Krill Music ausgewählt und auf ihrer Spendenaktions-VA „#StandWithUkraine“ veröffentlicht wurde.
In London habe ich auch NSTNKT: Klubnacht ins Leben gerufen – eine Plattform, um talentierte Künstler nach Großbritannien zu bringen (bisher hatten wir Espen Lauritzen und Lucas Freire), während ich die lokale Szene unterstütze und neue Möglichkeiten schaffe. Es ist kein Zufall, dass ich es Klubnacht genannt habe, ich möchte meine Verbindung zur deutschen Szene, die ich sehr schätze, verstärken.
Erzähl uns etwas über deinen persönlichen Background. Du bist auf Korsika aufgewachsen. Wie hast du deine Jugend auf dieser wunderbaren Insel erlebt? Mittlerweile wohnst du ja in London…
Korsika ist eine wunderschöne Insel mit einer unglaublichen Geschichte, Kultur und Gastronomie. – Man bekommt eine unglaubliche Lebensqualität, die man erst richtig zu schätzen weiß, wenn man im Ausland lebt. Es ist wirklich ein wunderbarer Ort, um eine Familie zu gründen und die Natur zu genießen, die sie zu bieten hat. Aber man ist dort nie wirklich anonym, und ich träumte davon, neue Kulturen, Sprachen und Musik zu entdecken. Mit Anfang zwanzig bin ich von zu Hause aus nach Montpellier gefahren, und an meinem ersten Tag dort bin ich direkt auf der Gay Pride gelandet; es war der reine Wahnsinn. So etwas hatte ich noch nie erlebt. Ich erinnere mich genau, dass mir ein Track monatelang im Gedächtnis blieb, bis ich den Titel fand (Shazam gab es damals noch nicht): Dubfire – Roadkill. Was für ein Knaller! Es dauerte nicht lange und ich fand mich in der Villa Rouge und der Bar Live wieder, wo ich meine ersten Techno-Partys feierte. Nach ein paar Jahren in Lille und Paris bekam ich ein Jobangebot von Microsoft in Großbritannien, zog umher und ließ mich schließlich in London nieder, wo ich an der Batman-Franchise arbeitete. Dort lernte ich ein deutsches Mädchen kennen, das mein Leben veränderte, als sie mich zum ersten Mal ins Berghain mitnahm und ich mich in den Sound verliebte! Ich habe auch drei Jahre lang in Barcelona gelebt – eine pulsierende Stadt – und bin dann Ende 2019 zurück nach London gezogen, gerade rechtzeitig für Covid!
Lass uns über deine musikalische Sozialisation sprechen. Was waren die Meilensteine auf deinem Weg, selbst Musikproduzent zu werden?
Meine Einführung in die elektronische Musik war der Eurodance der 90er-Jahre, den ich im Radio hörte. Als Teenager wurde ich nie wirklich mit Techno vertraut gemacht, dafür musste man in großen Städten leben. Damals gab es noch kein Internet, und Korsika ist per Definition nicht groß genug für eine Nischenszene wie Techno. Ende der 90er-Jahre entdeckte ich Daft Punk mit „Homework“ und war überwältigt von ihrem Set „Alive“ (1997) sowie von Laurent Garnier, der „Acid Eiffel“ live im Fernsehen spielte.
Der Rest war wahrscheinlich eine Mischung aus einer Vorliebe für die Underground-Mentalität und einem Interesse für alles, was nerdig ist – mein Vater hatte mir ein Paar Numark-CD-Player mit riesigen Jogwheels und einem Plattenspieler geschenkt, mit denen ich ab 2003 in korsischen Bars und Clubs Electro und Progressive House wie Cirez D auflegte. Dann war Montpellier 2007 meine erste Verbindung zu Minimal Techno – Stephan Bodzin, Pig & Dan, Radio Slave – ich arbeitete kurz für die Davout Studios in Paris, die mich in High-End-Audio-Equipment einführten, und dann, fast 10 Jahre später, fühlte ich mich im Berghain wieder wie zu Hause, obwohl ich noch nie zuvor einen so kraftvollen und dunklen Techno erlebt hatte.
28. Februar 2016, 15 Uhr. Pariah hinter den Decks, umwerfend, ich hatte keine Ahnung, wer dieser Typ war und fragte offen nach seinen Kontaktdaten – ich habe die Notiz immer noch auf meinem Handy.
Schnell vorwärts, drei Jahre in Barcelona, im Rhythmus der HEX-Partys, die die besten Techno-Künstler der Szene nach Katalonien brachten – zur gleichen Zeit wurde ich immer vertrauter mit der spanischen Techno-Szene (Pole Group, Eduardo de la Calle, Flug, Undo) und ich stöberte regelmäßig in Discos Paradiso oder T-Vinyl, zwei Läden, die ich in Barcelona sehr empfehlen kann. Zu dieser Zeit bekam ich einige Gelegenheiten, in großen Clubs wie dem Razzmatazz zu spielen, was mir erlaubte, mehr mit der Szene in Verbindung zu treten, Kollaborationen zu starten und aktiver in Produktionen zu werden. Zu dieser Zeit produzierte ich ausschließlich mit Ableton, aber bald merkte ich, dass ich mehr Spontaneität brauchte: Das war der Beginn meiner Reise als Live-Performer.
Wer oder was sind deine größten Inspirationen und Einflüsse?
Schon früh hatte ich eine starke Verbindung zu Psychedelic Rock, Hard Rock, der seine Wurzeln im Hören von Pink Floyd, Jimi Hendrix oder Led Zeppelin fand – meine Eltern spielten Kassetten im Auto… das waren meine Prä-Metal-Jahre. Bis ich auf Festivals von Shining (NOR), Devin Townsend, Carcass oder Hypocrisy in den Arsch getreten wurde. Hell yeah!
Davon abgesehen mag ich besonders die Sets oder Stücke von Karenn, Luke Slater, Surgeon, Oscar Mulero, DVS1 und den Künstlern der Pole Group im Allgemeinen. Ich stehe auch auf melodische Sachen und schätze den Sound von Âme, Stephan Bodzin, John Hopkins, James Holden, Boris Brejcha… Ich könnte noch viel mehr aufzählen.
Ein großes Lob auch an die Live-Acts wie Saytek, Stef Mendesidis, Speedy J und STOOR. Jeff Mills! Wie konnte ich Jeff Mills nur vergessen!
Wie würdest du deinen Sound in eigenen Worten beschreiben? Was macht ihn einzigartig?
Spacig, intensiv, emotional – das sind zumindest die Dinge, die ich zu vermitteln versuche. Mein Sound ist eine Mischung aus dunklem und hypnotischem Techno, mit Acid-Touch, um die Sache aufzupeppen. Ich verwende auch trippige oder polyrhythmische Melodien, manchmal mit sanften Drums und manchmal mit harten Schlägen – aber meistens bezeichne ich es als Space Techno und es steckt eine Bedeutung dahinter. Anstatt über den Sound selbst nachzudenken, konzentriere ich mich auf die Reise und die Erfahrung, die ich dem Publikum bieten möchte.
Ich möchte, dass die Raver ihre Augen schließen und sich selbst in fernen Galaxien kreuzen sehen. Es geht um Entdeckungen, um das Erleben von Sinnen und Klängen, während man sich den Arsch abtanzt. Manchmal hypnotisch, mental, düster, dann wieder schön (Sternenkonstellationen beobachten), ermutigend (mit Lichtgeschwindigkeit cruisen, hier kommen die Acid-Lines!) oder experimentell. Einige meiner Stücke sind eine Hommage an andere talentierte Künstler, die ich inspirierend finde. Dies ist das Rückgrat des Sounds von Kolibri Space Shuttle mit seinen Hauptserien NSTNKT, Grounded, Kolibri und Tribute.
Um zu verdeutlichen, was ich als ‚Erfahrung‘ bezeichne, möchte ich ein weiteres Beispiel anführen… Ich würde es mit einem Gefühl der Beherrschung und bis zu einem gewissen Grad mit BDSM in Verbindung bringen – zumindest betrachte ich ein Set so. Deshalb ist es auch so wichtig, dass die Sets im Berghain zum Beispiel vier Stunden dauern. Volle Kraft für den Dom/Künstler, genug Zeit, um sich aufzuwärmen, das Vertrauen des Sub zu gewinnen und dann die ganze dunkle Energie auf die Menge loszulassen, die nun nach mehr verlangt. Es steht den Leuten frei, jederzeit zu gehen, wenn die Erfahrung es nicht wert ist, zu aggressiv oder nicht angepasst ist – das ist Ihre Zustimmung. Während der Abschlussveranstaltung schlagen die Künstler oft eine andere Richtung ein, nachdem sie ihr erstes Ding durchgezogen haben, und spielen dann oft leisere oder andere Stücke – sieht noch jemand den Zusammenhang mit der Nachbetreuung?
Was können wir von deiner „Kolibri Space Shuttle“-EP erwarten? Auf welche Tools, Instrumente und Softwares greifst du bei deinen Produktionen zurück?
Die „Kolibri Space Shuttle“-EP ist eine Reise voller Emotionen. Fünf Tracks, die dich zum Schwitzen und Reisen bringen, mit ausgefeiltem Sounddesign und starkem Groove. Die A-Seite ist düster, heavy und hypnotisch, während die B-Seite getrieben, melodisch und manchmal emotional ist und eine Coverversion des unglaublichen Tracks „Rej“ von Âme enthält.
Die meisten der hypnotischen Melodien wurden mit einem Boomstar SEM erzeugt, während die Bässe von einem Minitaur stammen. Mein Setup im Studio unterscheidet sich nicht von dem, das ich bei Live-Auftritten verwende, weshalb ich mich sehr wohl damit fühle. Die Drums stammen vom Elektron Analog Rytm oder Volcas und die Acid-Lines wurden mit einem modifizierten MB 33 erzeugt – das ist mein Basis-Kit. Später fügte ich Layer mit einem SOMA Pulsar 23 hinzu – ein echtes Biest! – und ich füge allem mit einem Hologram Microcosm ‚Raum‘ hinzu: es scheint, als könne man damit alles schön klingen lassen.
Was die Geschichte hinter den Tribute-Titeln angeht, so erinnere ich mich an die Musik, die ich vor einiger Zeit auf dem Planeten Erde gehört habe und die ich an Bord des Space Shuttles summe. Man kann meine Stimme zum Beispiel im Intro und Outro von „Rej“ hören.
Es ist wichtig zu erwähnen, dass ich alles zusammen mit einem Multitrack aufnehme. Es kann sein, dass ich später neue Takes aufnehme oder bearbeite, aber der Sinn ist es, das Ganze ‚live‘ zu halten und nicht Schicht für Schicht aufzunehmen. Im nächsten Schritt bearbeite und mische ich in der Regel mit Ableton, wobei ich ausgiebig mit Fabfiltern arbeite. Ich verwende selten virtuelle Instrumente als Basis für einen Track, aber für Retro Futura Muse habe ich mich von Cosmos von Genki Instruments inspirieren lassen. Es ist erstaunlich, wie inspirierend der Klang eines Synthesizers sein kann.
Du bist nicht nur DJ, sondern auch Live-Produzent. Wie sieht deine Herangehensweise bei Live-Sets aus? Präferierst du das Live-Produzieren gegenüber dem DJing?
Da ich seit fast zwei Jahrzehnten als DJ auflege, kann ich sagen, dass es tief in meinem Leben verwurzelt ist und mir nie langweilig werden wird. Das Auflegen bringt mir immer Freude. Ich liebe den Prozess des Beatmatchings, und das Auflegen ist ebenso lehrreich wie sozial. Ich verbringe gerne Stunden in Plattenläden und treffe mich mit anderen Künstlern, außerdem habe ich eine Vorliebe für Vinyl, die sich fast wie ein Fetisch anfühlt. Es macht auch Spaß, die Musik anderer Leute zu spielen, denn so kann ich andere Produzenten unterstützen und erhalte einen ständigen Strom neuer Tracks, die ich spielen kann. Außerdem entsteht ein magischer Effekt, wenn die Tracks gut zusammenpassen – eine ganz andere Erfahrung als beim Live-Spielen.
DJing in seiner klassischen Form bietet eine Struktur für dein Set – es gibt Breaks, Rises, Drops, die durch die Tracks, die du spielst, definiert sind, und auch diese Tracks haben einen Anfang und eine Dauer, auch wenn du die Codes immer brechen kannst. Bei einem Live-Set sagt einem nichts, wann man aufhören soll, wie lange man eine Sequenz spielen soll, es ist eine leere Leinwand. Hinzu kommen all die potenziellen technischen Probleme, die es zu lösen gilt: Midi, Mixing, Verbindungen (wenn man mit Hardware spielt), Platz, CPU, Speicher, Patterns. Für manche mag es überwältigend sein, aber am Ende ist es unglaublich lohnend.
Mein erster professioneller Synthesizer war ein Minitaur: Thomann, Mai 2013 – mächtige Subs genau hier! Aber es hat ein paar Jahre gedauert, bis ich meine Synthesizer alle synchronisiert und die richtige Formel gefunden hatte: die richtigen Maschinen, sich mit Drums vertraut machen (anfangs war ich eher von Melodien hypnotisiert), den Platz jedes Elements in einem Track verstehen und meine Fähigkeiten beim Mischen in Echtzeit verbessern. Das Abmischen während einer Live-Performance ist eine Herausforderung: Es liegt auf halbem Weg zwischen dem Job eines DJs, eines Tontechnikers und eines Instrumentalisten.
Am Anfang fühlte es sich sehr verwirrend an, da ich „emotionale“ und melodische Melodien kreierte, anstatt die dunklen Techno-Knaller, die ich eigentlich produzieren wollte. Ich habe mich eine Weile dagegen gewehrt und schließlich im Jahr 2018 meinen Sound als das akzeptiert, was er ist. Diese Akzeptanz wurde zu einer Art transformatorischer Freiheit, und es dauerte nicht lange, bis ich ein 50-minütiges Live-Set aus 7 Tracks kreierte und aufnahm (das nie zuvor geteilt wurde – es enthielt „Ketarion“ von der Kolibri Space Shuttle EP), das die Kolibri-Serie definierte: melodisch und atmosphärisch, melodisch, Techno, aber nie zu aggressiv – perfekt für einen Weltraumtrip. Das Set war bereit für meinen allerersten Live-Gig, zu dem ich von HEX Barcelona eingeladen wurde, um den Floor mit Zanias, I Hate Models und Dax J zu eröffnen – unglaublich.
Zanias spielte allerdings EBM und das veranlasste mich, meinen Auftritt zu überdenken. Einen Monat vor dem Auftritt beschloss ich, die Richtung zu ändern und etwas anderes vorzubereiten. So wurde die Grounded-Serie geboren. Sie ist geprägt von Entdeckerlust und Abenteuerlust, aber auch von Unbehagen: Man landet auf einem unbekannten Planeten, hat noch nie gesehene Landschaften, wilde Kreaturen vor sich, sind sie feindlich? Dieser Auftrag war auch ein Meilenstein bei der Lösung technischer Probleme, und manchmal kam ich mir wie ein verrückter Wissenschaftler vor.
Im Allgemeinen diktierten Lebensereignisse die Art und Weise, wie ich im Laufe der Jahre Musik machte, und das macht meine Musik so einzigartig und persönlich. Als ich nach London zurückzog, kämpfte ich mit Depressionen und durchlief dann eine wichtige introspektive Phase. Dadurch konnte ich mich nicht nur mit mir selbst verbinden, sondern auch mit den dunklen und hypnotischen Klängen, denen ich zuvor nachgejagt war. Die Serie NSTNKT konnte sich voll entfalten – inspiriert von meiner Forschung im Bereich der psychischen Gesundheit repräsentiert sie nun meine Erfahrungen und meine Energie, meine Ängste zu überwinden.
Diese Ebene der Verbindung ist meiner Meinung nach nur mit einem Live-Setup möglich, da es keine Schnittstelle zwischen der Musik und mir gibt – die Maschinen sind eine Erweiterung meines Gehirns, meiner Inspiration und meiner Gefühle. Was du hörst, ist das, was du anfasst – WYHWYT (What you hear is what you touch.)
Dadurch, dass ich die meiste Zeit des Schaffensprozesses außerhalb der Box verbringe, kann ich mich konzentrieren – ich bin weniger in Versuchung, nachzusehen, was online passiert, wenn ich die Maus nicht anrühre. Die Umstellung auf Hardware erfolgte vor ein paar Jahren, bevor bei mir ADHS diagnostiziert wurde – jetzt macht es so viel Sinn, warum es zu mir passt.
Wie gehst du mit der ADHS-Diagnose um? Inwiefern beeinflusst es dein Leben als DJ und Produzent?
Es gab mit Sicherheit eine Zeit vor und nach meiner Diagnose – es hat nur 33 Jahre und eine depressive Episode gedauert, bis ich es herausgefunden habe!
Zu entdecken, was es ist und zu lernen, damit zu leben, war wahrscheinlich die größte Veränderung und Herausforderung, die ich in meinem bisherigen Leben erlebt habe. Und es ist ja nicht so, dass man es mit Medikamenten heilen kann – die Medikamente sind nur ein Bonus, der einem hilft, sich zu konzentrieren.
Meistens liegt bei ADHS ein chemisches Ungleichgewicht vor, das verhindert, dass man sich auf langweilige oder sich wiederholende Dinge konzentrieren kann – wir brauchen mehr als neurotypische Menschen, damit das Dopamin ausgeschüttet wird, und um sich belohnt zu fühlen, kann das zu Langeweile oder Frustration führen. Ich will wirklich nicht behaupten, dass es einfach ist, aber einen beständigeren Lebensrhythmus zu haben, mich um mich selbst zu kümmern, Selbstliebe zu praktizieren, regelmäßiger Sport zu treiben und das zu finden, was ich wirklich liebe, hatte große Auswirkungen.
Manchmal bringt das Superkräfte mit sich, wie die Fähigkeit zur Hyperfokussierung (wenn ich an etwas arbeite, das ich liebe), die es mir ermöglicht, tagelang unermüdlich und mit derselben Leidenschaft zu arbeiten, ohne Ermüdung zu verspüren. Ich kann Ewigkeiten im Studio verbringen, und das ist ein erstaunlicher Vorteil, wenn es um die Gestaltung geht.
Ich bin auch ein sozialer Schmetterling, und wenn ich gut gelaunt bin, haben die Leute in meiner Nähe immer eine tolle Zeit. Es gibt einen unglaublichen Antrieb und eine unglaubliche Energie, wenn es darum geht, die Dinge zu tun, die wir mögen.
Das hat zwar auch seine Schattenseiten, und ich kann die positiven Schwingungen nicht vortäuschen, aber meine Geduld ist nicht sehr groß, und wenn ich mich nicht gut fühle, ist es das Beste, wenn ich gehe. Ich bin mir bewusst, dass ich dadurch Gelegenheiten verpasse, vor allem in einer Welt, in der Networking und Verbindungen genauso wichtig sind wie gute Musik zu machen. Eine andere Sache, die ich noch nicht gelöst habe, ist die Schwierigkeit, mir bei Bedarf wichtige Details zu merken – ich bin zwar ein Streber im Mitschreiben geworden, aber es bringt mich immer noch in unangenehme Situationen, wenn ich mir Namen nicht merken kann. Dadurch komme ich mir im Moment dumm vor und kann mich bei (manchen) Gesprächen nicht entspannen.
Letzte Woche unterhielt ich mich mit René Wise an dem Abend, an dem er im FOLD spielte. Ich liebe seine EP „Pleasure Note“, die er auf Setaoc Mass‘ SK11 veröffentlicht hat – ich wollte darüber sprechen, aber ich konnte den Namen der EP einfach nicht rekapitulieren, was ärgerlich ist, da ich ihn eigentlich kenne. Wenn ich mir einen Manager aussuchen könnte, würde ich wahrscheinlich jemanden nehmen, der nicht nur ein gutes Gedächtnis hat, sondern auch ein Ass im Umgang mit Menschen ist.
Zum Glück ist Rene Wise ein cooler Typ und hat mir nie ein schlechtes Gewissen deswegen gemacht.
Was steht 2022 noch bei dir auf dem Programm?
Mit einer ersten physischen EP, die gerade veröffentlicht wurde, gibt es noch einige Zeit lang Promoarbeit zu leisten, aber ich bin bereits mit der Produktion der nächsten EP sowie mit einer LP fortgeschritten. Beide sind in einem guten Zustand, der Schnitt steht kurz vor dem Abschluss. Außerdem halte ich mich mit Kollaborationen, Live-Gigs, NSTNKT-Partys und den nächsten Episoden des „This Is Live Techno“-Projekts auf Trab, da ich Live-Performer fördern möchte.
Ich arbeite auch daran, mehr international zu spielen, da meine Live-Acts ein Niveau erreicht haben, mit dem ich zufrieden bin, und ich genug Musik gemacht habe, um die Leute für längere Sets zum Tanzen zu bringen, mindestens 3 Stunden.
Mit einem höheren Budget würde ich wahrscheinlich einen Teil der Werbe- und Verwaltungsarbeit delegieren, um Zeit für die Kreation zu sparen. Bevor ich von einem regulären Job zu meinem eigenen Projekt wechselte, dachte ich, dass ich mehr Freizeit haben würde – lustigerweise ist es genau umgekehrt, jetzt, wo ich mich voll und ganz dem Projekt widme, vergeht die Zeit wie im Flug.
In Zukunft werde ich mehr Zeit dafür verwenden, Künstlern mit ADHS zu helfen – ich hatte bereits vor Covid mit dem Coaching von Künstlern begonnen und lasse nun nach und nach mein Wissen über psychische Gesundheit einfließen. Viele Menschen müssen erst noch etwas über ihre Neurodiversität lernen und darüber, wie sie sich auf ihr tägliches Leben und ihre Kunst auswirkt – ich möchte ihnen gerne helfen und sie befähigen, ihre Schwäche in eine Stärke zu verwandeln.
Die „Kolibri Space Shuttle“-EP ist heute, am 5. Oktober 2022, erschienen. Hört mal rein:
Hier könnt ihr PETRU unterstützen und die EP auf Bandcamp kaufen.