Der rumänische DJ und Producer Cosmin TRG hat seine Underground-Hymne „In Your Body“ neu aufgelegt. Zehn Jahre nach dem ursprünglichen Release kommt nun eine bearbeitete Version namens Twentysix Mix raus, die ebenfalls auf seinem Label Sportiv erscheint. Unter seinem bürgerlichen Namen Cosmin Niculae war er in den letzten Jahren vor allem als Filmemacher aktiv, mit dieser Veröffentlichung wendet er sich nun wieder vermehrt dem DJ-Pult zu. Wie der Track entstanden ist, das erzählt uns der Wahlberliner hier im Interview.
Die naheliegendste Frage ist natürlich: Woher stammt noch einmal diese bezaubernde Stimme, die alle Tänzer anspricht?
Die Stimme wurde so gesampelt und umgestaltet, dass ich die Quelle nicht nennen darf, aber sie ist der Inbegriff einer Ikone: Schauspielerin, Aktivistin und seit mehreren Jahrzehnten eine inspirierende Persönlichkeit.
Die Version von 2016 ist dem brandneuen „Twentysix Mix“ ziemlich ähnlich, aber der neue Mix ist viel druckvoller, schneller und treibender. Was sind die wichtigsten Parameter, die du für den Mix zehn Jahre später verändert hast?
Vor zehn Jahren wurde Techno in einem gemächlichen Tempo von 128 BPM gespielt. Ich habe viel Techno aus den 90ern aufgelegt, den ich verlangsamen musste, damit er in den Mix passte. Heutzutage ist es genau umgekehrt, und es ist eine interessante Herausforderung, Tracks zu mixen, die für ein bestimmtes Tempo konzipiert wurden. Ich glaube, BPM ist nicht nur etwas, das man nach oben oder unten zieht, um Tracks miteinander zu verbinden. Man muss den Groove respektieren – also auch den Raum zwischen den Beats, den Klängen oder der Stille. Vor diesem Hintergrund habe ich die ursprünglichen Klänge des Tracks genommen und ihn neu gestaltet, wobei ich dem Geist des Originals treu geblieben bin. Außerdem habe ich einige Sounds mehr oder weniger hervorgehoben, da man in den für das Ohr subtileren Elementen eine andere Energie entdecken kann.
Für mich fallen zwei Dinge auf: Der Low-End-Bereich ist bei der neuen Version viel dröhnender – wie gehst du vor, um Kicks dröhnen zu lassen?
Ich verbringe die meiste Zeit damit, den EQ einzustellen und sicherzustellen, dass alles gut zusammenpasst. Es gibt kein wirkliches Geheimnis, abgesehen von persönlichem Geschmack und Erfahrung. Instinktiv weiß ich, wie bestimmte Kick-Drums auf bestimmten Soundsystemen und in bestimmten Räumen klingen werden, und darauf achte ich. Aus meiner Zeit, in der ich Musik in verschiedenen Genres mit stärkerem Fokus auf Bass/Low-End gemacht habe, habe ich mir diese Vorgehensweise bewahrt, Kick-Drums zu überlagern und die Sounds so zu formen, dass sie sich gegenseitig respektieren und gleichzeitig ihre eigenen Informationen in den Mix einbringen. Bei diesem neuen Remix habe ich einfach dasselbe gemacht, aber die EQs leicht angepasst, sodass ein stärkeres „Warehouse“-Feeling entsteht als beim Original.
Auch der allgemeine Klang ist viel definierter und gleichzeitig halliger. Wie gehst du vor, wenn du bestimmte Elemente im Mix platzierst, um ein reichhaltiges Panorama und Raumgefühl zu erzeugen?
Ich stelle mir gerne vor, wie ich mich in dem Raum befinde, in dem die Musik gespielt wird. Schon früh, als ich als Kind Musik hörte, war ich fasziniert von dem Raum, den Musik schuf – dem Panorama, der Überlagerung von Klängen –, und das versuche ich intuitiv jedes Mal nachzubilden, wenn ich Musik mache. Meine frühesten Erfahrungen mit elektronischer Musik in einer Live-Umgebung habe ich in Lagerhallen gemacht, daher wird mir diese Art, einen Track zu erleben, für immer in Erinnerung bleiben. Wenn ich die Musik komponiere und später abmische, versuche ich, mir diesen Raum vorzustellen, der mit Klangblöcken gefüllt ist. Die Kick-Drum bildet die Basis dieses Raums, das Fundament, den Kern. Darüber liegen perkussive Klänge, angeordnet nach ihrer Tonalität. Die anderen Klänge bewegen sich frei um sie herum, um den Raum auszufüllen und alles miteinander zu verbinden. Das ist keine sehr technische Beschreibung, aber das Visualisieren hilft mir, kreativer zu sein, ohne über zu viele Zahlen und Parameter nachdenken zu müssen.
Was sind die wichtigsten Produktionstechniken, die du in den letzten zehn Jahren seit der Veröffentlichung von „In Your Body“ gelernt hast?
Was das Komponieren und Abmischen angeht, greife ich immer noch auf die Grundlagen zurück – Dinge, die ich wahrscheinlich vor mehr als 20 Jahren durch praktische Erfahrung gelernt habe. Ich hatte das Glück, in den letzten Jahren an Projekten außerhalb der Clubmusik mitwirken zu können, und das hat meine heutige Herangehensweise an Musik tiefgreifend beeinflusst. Als ich an Musik für das Theater arbeitete, musste ich den Raum sehr genau berücksichtigen: Musik, die für eine Aufführung in der Komischen Oper in Berlin komponiert wurde, klingt im Freilufttheater Teatro Greco in Syrakus ganz anders. Ich bin kein Akustikexperte, aber ich habe gelernt, die Intentionen der Musik intuitiv an die Bewegungen auf der Bühne anzupassen. Außerdem habe ich gelernt, mich an Veränderungen anzupassen und nicht an ursprünglichen Ideen festzuhalten: Bis zum Ende der Proben wird sich fast alles ändern, und man muss sein Ego vor der Tür lassen. Es macht auch viel Spaß, mir die von Poetmistry auf seinem Instagram-Account beschriebenen Produktionstechniken anzuschauen, und ich versuche, über alles auf CDM.link auf dem Laufenden zu bleiben.
In einem kürzlich geführten Interview hast du von einer goldenen Ära Anfang der 2010er Jahre gesprochen, in der viele Techno-Tracks sehr individuell und songartig klangen – ein Konzept, dem du in deiner Arbeit offenbar folgst. Wie schaffst du es, diesen besonderen Momenten Leben einzuhauchen, die in statischen, sich wiederholenden Techno-Elementen stecken?
Ich betrachte diese Ära nach wie vor als eine Zeit großer Kreativität, vielleicht weil die Künstler aus unterschiedlichen musikalischen und kulturellen Hintergründen stammten und zuvor verschiedene Musikgenres gemacht hatten. In meiner Musik versuche ich, so spontan wie möglich zu sein: Aufnahmen in einem Durchgang, Live-Automation, die Verwendung von Klängen und Ideen aus anderen Musikgenres und generell eine lockere und dynamische Struktur des Tracks.
Wie hast du das rollende Hi-Hat-Muster erstellt?
Es ist ein sehr einfaches Pattern, dem in Ableton ein Logic-Shuffle im Groove des Patterns hinzugefügt wurde. Die größte Herausforderung besteht darin, aus den Millionen verfügbaren Samples ein passendes auszuwählen und sich darauf festzulegen…
Wie hast du den stechenden Synth erstellt, der den Low-End-Groove des „Twentysix“-Mixes dominiert?
Er wurde in U-he Bazille erstellt, das einen großartigen, durchdringenden Sound hat und das ich in vielen Tracks verwende.
Welche Tools verwendest du, um Synthesizer, Bässe und Effekte so hypnotisch und treibend zu sequenzieren, dass sie die Monotonie überwinden?
Ich bin ein großer Fan der Geräte von Fors.fm – sie entwickeln wirklich moderne Tools für Max, die Unvorhersehbarkeit und Spaß in die Sequenzen bringen. Außerdem nutze ich Tools von Manifest Audio sowie Produkte von Melda Productions und Unfiltered Audio. Ich liebe es nach wie vor, Reaktor-Patches zu durchstöbern, um einzigartig klingende Effekte oder Synthesizer aus der Feder talentierter Sounddesigner zu finden. Eine Zeit lang habe ich mich auch für modulare Synthesizer begeistert, aber das passte nicht ganz zu meiner rastlosen Natur – vielleicht greife ich das wieder auf, wenn sich meine Philosophie ändert.
Wie hast du deine Master-Kette von 2016 bis heute verändert?
Sie hat sich von der Verwendung von Limitern und Kompressoren hin zu absolut gar nichts in der heutigen Zeit verändert. Von Anfang an habe ich den Master auf -6 dB eingestellt und komponiere auf diesem Pegel. Wenn meine Ohren dann müde sind und ich einen Schub brauche, täusche ich mein Gehirn, indem ich den Master auf 0 stelle – so glaube ich, ein großartiger Toningenieur zu sein.
Wie sehen deine Veröffentlichungspläne für den Rest des Jahres und für 2027 aus?
Danke für die Frage! Als Nächstes stehen Musik, die ich für das Theater komponiert habe und die auf meinem Label Fizic erscheinen wird, sowie weiteres Dancefloor-Material für Sportiv an. Außerdem wird es eine reine Vinyl-Veröffentlichung geben, die ich unter meinem Pseudonym Tam Nisam für das neue Label herausbringen werde, das mit Fat Plastics in Jena verbunden ist. Dann gibt es noch mehrere Platten, die ich gemeinsam mit meinem Freund DYL, einem sehr talentierten und produktiven Produzenten aus Rumänien, unter dem Pseudonym TRYL veröffentlichen werde. Dieses Material lässt sich nicht leicht einordnen, es bewegt sich irgendwo im abstrakten, experimentellen 170-BPM-Bereich. Im Jahr 2027 werde ich außerdem an meinem ersten Spielfilm als Drehbuchautor und Regisseur arbeiten (was mich nachts wach hält) sowie an einem Dokumentarfilm. In diesen Zeiten, in denen so viel um uns herum passiert, möchte ich mich darauf konzentrieren, Gutes in die Welt zu bringen.
Die EP „In Your Body (Twentysix Mix)“ mit drei weiteren Track ist bereits via Sportiv erschienen.
Aus dem FAZEmag 176/10.26
Foto: Carys Huws
www.cosminnicolae.com